Muchos habrán desayunado con la noticia del presunto hallazgo de la llamada "partícula de dios" o bosón de Higgs. El descubrimiento viene a ser a la física, lo que el ADN a la biología, pero la gran cuestión es.. ¿Qué diantres es un bosón?
Hace ya algunos años, un tipo llamado Newton descubrió o más bien se percató de la existencia de la gravedad al caerle una manzana en la cabeza (cosa que no hubiese podido hacer de ser una teja o un ladrillo lo que le hubiera caído encima...) y a partir de ahí nació la física clásica o newtoniana, basada en unas leyes que explicaban el mundo físico que nos rodea. Más adelante llegarían gente como Planck, Einstein o Bohr idearon la física cuántica o de partículas, que volvía a transformar todas las leyes conocidas y daba un vuelco al modelo hasta ahora adoptado. ¿Quiere esto decir que el modelo de Newton ya no vale? Sinceramente no. El modelo ideado por el físico británico es perfectamente válido para explicar todo lo que la vista nos deja contemplar, pero cuando nos adentramos en el mundo atómico, microscópico, estas leyes dejan de tener valor y su modelo carece de sentido. Es decir, podemos aplicar un modelo para cada situación y todos serían perfectamente válidos y plausibles.
En la física de partículas ha habido una sucesión de partículas "indivisibles" que con el paso de los años, han ido variando su estatus. Primero fue el átomo la partícula que se consideró indivisible, después fueron los neutrones y actualmente se considera que la partícula más pequeña que se puede encontrar en el universo son los llamados quarks. Pues bien, un quarks es la partícula elemental de la materia, y no se pueden encontrar por sí solos, sino que siempre se encuentran en grupos de dos o tres quarks. Estas uniones interaccionan entre ellas gracias a los bosones, por tanto en el modelo de física actual y de la materia, los quarks y los bosones serían las partículas elementales pues no existe evidencia de que puedan estar formadas por otras partículas más "pequeñas".
El bosón de Higgs es por tanto la partícula elemental más pequeña que contiene masa o materia. Para entendernos, en el universo hay cosas que tienen masa constituidos por átomos (como los seres humanos) y cosas que no tienen masa (como la luz por ejemplo). El bosón de Higgs es la partícula más pequeña conocida que tiene masa o materia, por tanto podemos decir que es el origen de esa masa o materia. Hasta ahora, esa partícula existía sólo en teoría, pues nunca se había podido descubrir o probar su existencia, pero a la vez su presencia era necesaria para explicar todo el modelo subatómico de la física de partículas. Este miércoles, el CERN gracias a su acelerador de partículas, ha descubierto lo que a priori (todo indica que así es, pero falta confirmación absoluta) se correspondería con el bosón de Higgs. La ciencia avanza y la partícula de dios ya es un hecho, como lo es que cada vez estamos un poquito más cerca de él.
La epopeya de Marcus Fénix y sus hombres del escuadrón Delta llega a su fin con Gears of War 3. La guerra entre humanos y Locust alcanza su cénit en esta tercera entrega de la serie poniendo un broche de lujo a una de las mejores trilogías que podemos encontrar en nuestras consolas. Pero al llegar a este punto, siempre nos topamos con la misma disyuntiva: ¿deben seguir explotando los chicos de EpicGames la marca Gears of War? No me cabe duda que así será, al menos mientras las ventas sigan respondiendo y la calidad de sus juegos siga marcando una referencia a imitar por los demás. Puede que hallamos presenciado el final de los Locust, pero no será la última vez que nos pondremos en la piel de Fénix.
En sí, esta tercera entrega no presenta grandes novedades en el apartado técnico con respecto a las precedentes. De hecho ese continuismo ha servido para que algunos inconformistas la califiquen como sobrevalorada. Sin embargo, atendiendo a la premisa de que cuando las cosas van bien ¿para qué cambiar?, estamos ante un juego de una calidad gráfica inmensa y una notoria historia narrativa cargada de momentos épicos y dramáticos. En la jugabilidad no hallaremos grandes innovaciones (conducción de vehículos, manejo de algún personaje nuevo, multijugador, etc) pero la carga emotiva hará que los fans de la serie disfruten como nunca. El gran acierto de los desarrolladores, o la originalidad de este GOW3 radica en el potenciamiento de su historia, dándole la importancia que se merece y que pocas veces, o ninguna, descubriremos en otro shooter.
La apuesta por la vertiente narrativa trae consigo el hecho de que la dificultad del juego no es muy alta. El juego no te plantea muchas situaciones dónde te sea demasiado complicado superarlas, y es posible que finalices el juego sin que mueras muchas veces. No obstante, este pequeño lunar no oculta que estamos ante una obra maestra de los videojuegos. Además siempre puedes elegir el modo imposible para poner toda la adrenalina en el asador. La batalla final está servida, y será más larga y emocionante (el juego ha alargado su campaña de manera considerable). Habrá reencuentros, pérdidas trájicas e inesperadas, flahsbacks, sorpresas, etc. Visualmente intachable, Gears of War 3 alcanza la madurez necesaria para convertirse en icono de referencia principal de su género, obtener un señor 10 y perdurar con el paso de los años.
De empleado de un videoclub a uno de los grandes directores actuales de cine. Con esa entrada se puede definir la biografía de Quentin Tarantino, un genio del cine creado a partir de retales, nacido de la mezcla de géneros. Criado por su madre (no llegó a conocer a su padre) que le puso el nombre Quentin por un personaje de una serie que interpretaba Burt Reynolds, de pequeño era un niño solitario, y se pasaba horas delante de la televisión, a la cual sólo dejaba para ir al cine. Este comportamiento y sus inquietudes artísticas sin duda forjaron la personalidad que hoy luce en cada uno de sus trabajos. Su cine se fundamenta en narrar una historia nada lineal, con unas escenas extremadamentes largas, unos diálogos que ya por sí sólos son un puro ejercicio de arte, un sentido del humor kamikaze y una violencia exagerada hasta la caricatura. ¿Sus influencias? El mismo declaró en alguna ocasión que su escuela de cine era ir al cine. Aún así, las referencias a las películas de serie B, las de Kung Fú o las del Spaguetti Western son fácilmente apreciables, aunque lo que le hace único es que realmente Quentin Tarantino hace las películas tal como las haría QuentinTarantino. Escribe el guión, elige a los actores y se pone detrás de la cámara para contar una historia como sólo él sabe hacerlo.
La película que dio a conocer su nombre fue Reservoir Dogs (1992). Es sin duda un hito en la historia del cine independiente, dónde ya se puede apreciar las características más personales que Quentin imprime en su cine. Se trata de un thriller violento, pero sin apenas acción, dónde el cóctel de buenos actores, grandes escenas, ingeniosos diálogos, una excelsa elección musical y una sublime puesta en escena convierten a Reservoir Dogs en una cinta imprescindible del cine independiente y en una inmejorable opera prima para su director. En esta escena, vemos como se asignan los nombres a los delincuentes para que sus identidades sigan en el anonimato. No es la mejor escena del film, pero ilustra en parte ese humor negro y el magnífico guión que siempre acompañan a Tarantino (Sr. Marrón en la escena).
Sin embargo, la escena más reconocida de Reservoir Dogs es la escena de la tortura o la de la oreja según se vea. Escenificada en multitud de ocasiones por jóvenes actores de teatro que dan sus primeros pasos, también ha sido parodiada en alguna otra ocasión, como en un mítico capítulo de Rasca y Pica de los Simpsons dirigido por Quentin. Esta escena es una mezcla de violencia, sangre, música y humor negro resume a la perfección el aroma de la película.
Si con Reservoir Dogs se dio a conocer, fue conPulp Fiction (1994) con la que consiguió fama, premios, dinero y consagrarse como uno de los directores jóvenes con más futuro. Ganadora de la Palma de Oro y del Óscar al mejor guión, la película narra las peripecias de unos delincuentes de medio pelo en los bajos fondos de la ciudad de Los Ángeles. De nuevo la violencia desmesurada, el humor macabro y los diálogos tan brillantes como absurdos componen una sinfonía inmejorable con la que Tarantino consiguió hacer sin duda una de las mejores películas de todos los tiempos. No es una película cargada de momentos geniales, es una genialidad en sí toda ella. El ritmo no decae en absoluto y con esa asimetría cronológica suscita aún más interés y le da una singularidad propia del director. Además están los personajes, quienes son en su mayoría inolvidables aunque apenas tengan unas líneas de guión y aparezcan sólo unos minutos en la pantalla. El Sr. Lobo (Harvey Keitel) es sin duda magnífico y un icono de la historia del cine. Resulta difícil elegir una escena, por lo que es mejor que vean la película si aún no lo han hecho. De todas formas aquí os traigo la del Sr. Lobo.. "estoy a media hora, llegaré en diez minutos"..
Una de las escenas más ilustres de Pulp Fiction es el baile que se marcan Uma Thurman y un resucitado para la causa John Travolta. Esta escena da pie a comentar lo importante que es para Tarantino la música en sus películas. La meticulosidad que muestra para elegir sus canciones hacen que sus bandas sonoras sean extraordinarias y que funcionen tan bien como sus películas. Pero no basta con saber elegir la canción correcta para el momento adecuado, además hay que saber usar la música, y él sabe hacerlo como nadie. Sus canciones (casi todas sacadas del baúl de los recuerdos) son un personaje más, una parte más de la escena que te da información adicional para comprender mejor lo que estás viendo.
Con Kill Bill (2003),Tarantino rinde homenaje a las películas asiáticas de acción o de artes marciales que tanto furor tuvieron en los años sesenta. No olvidemos que el maestro de Knoxville (su ciudad natal) creció visionando películas de ese estilo, más las consabidas cintas de serie B y de vaqueros. Pero si Quentin hace su particular ofrenda a ese mundo lo hace a su manera: escribe una historia en principio mínima que apenas llegaría para el argumento de una novela de Silver Kane, y después deja que salga todo su talento, que fluya genialidades y sangre a partes iguales y se convierta en entretenimiento puro y duro. La venganza de la mamba negra te puede encantar o te puede resultar un bodrio insufrible, pero no te deja indiferente. La violencia coreografiada se entremezcla con largos tiempos muertos y juegos con la cámara que pueden ir desde un toque retro en blanco y negro a la originalidad de un manga en la pantalla. Disfrutemos del vuelo de las katanas en la célebre escena en la que "La novia" ataviada con un mono amarillo con franja negra emulando al mismísimo Bruce Lee en El juego de la muerte, se enfrenta a la banda conocida como los 88maniacos.
Como remache final os dejo una escena eliminada de Kill Bill vol. II, dónde Bill se enfrenta a varios enemigos en presencia de Beatrix. Es una escena fantástica y seguramente la escena fue suprimida por no excederse en la duración del metraje, porque realmente está a la altura de la película. Para el año 2014 está previsto el volumen III de esta saga que pondrá punto y final a la historia, si bien no está del todo claro el argumento de la misma.
El último trabajo hasta la fecha del genio de Tennessee es Malditos Bastardos (2009), o la Segunda Guerra Mundial vista desde la óptica de Tarantino. La película es un despliegue de talento lo mires por donde lo mires y consigue elevar lo que en principio parece una distorsión de la realidad en forma de broma en una auténtica obra maestra. No me extenderé en demasía porque la película cuenta ya con un post en mi blog para ella sola (pulsa aquí si quieres leerlo), pero os dejo un pequeño corte del primer acto, donde el nazi cazajudíos Hans Landa nos regala una escena inolvidable, que tiene su consumación con la decisión de disparar o no (esto no llega a verse en el corte), una bala que a la postre cambiará el destino de una guerra y por ende de toda la humanidad.
Tengo la sensación de haberme extendido bastante en este post, pero es que soy un enamorado del cine de Tarantino y la ocasión lo exigía. No obstante, lo que espero es que él siga extendiendo su filmografía (de momento a finales de año estrena Django, un western que promete) y haciéndonos deleitar a todos sus seguidores y enfadar a su detractores pues también los tiene, y es que como dijo uno de los atracadores en Reservoir Dogs..¡Cúanto hijo puta y qué pocas balas!.
Dice una famosa cita "dale limosna, mujer, que no hay en la vida nada como la pena de ser ciego en Granada", pero los protagonistas de la magnífica trilogía Los Caminantes, darían cualquier cosa que le pidieran por ser invidentes y no ver todo el horror que se les viene encima cuando Carlos Sisí traslada a Granada (más concretamente a La Alhambra) el epílogo de su apocalipsis zombi. Con Hades Nébula, título de esta tercera entrega, el círculo se cierra, para fastidio de todos sus fans y para alivio de todos los supervivientes a la pandemia.
La tercera parte de las desventuras de los caminantes, es sin duda la mejor de todas. Contiene en sus páginas la dosis justa de terror, tensión, amor y suspense para que el lector se vea prácticamente impotente para soltar el libro y dejar de leer. Hallaremos sorpresas como encontrarnos con algún personaje que creíamos perdido y con otros con los que sinceramente no desearíamos volver a toparnos. Habrá bajas, alguna de ellas de relumbrón, pero necesarias para dotar de cierta credibilidad a la historia. También encontraremos historias paralelas que enriquecerán la obra (como el avecren) y pequeños homenajes o guiños que el autor se permite (como una clara alusión al ghetto judío en tiempos de la segunda gran guerra o la muerte de uno de los protagonistas que por su raza no pudo elegir mejor sitio para dejarnos). Pero sin duda, lo mejor que tiene esta tercera entrega es que responde a todos los interrogantes que se habían planteado en las anteriores. Conoceremos el origen de la pandemia y del virus Necrosum, el porqué de su creación y como se propagó, sabremos que pasaba en el resto del país y del mundo y desvelaremos algunos detalles del pasado de los personajes principales. Este detalle, aunque pueda parecer nimio, es sin duda de vital importancia para hacer una trilogía, más aún cuando en principio no estaba concebida como tal, sino como una novela en singular. Los que siguieran la serie Lost como yo, me comprenderán mejor, pero no puedo más que felicitar a Sisí por saber completar la trilogía sin prácticamente fisuras en la que no se baja el ritmo en ningún momento.
Si en la primera aventura los zombis se presentaban como el enemigo principal, en la segunda el autor nos presentaba a otro nuevo adversario insospechado: la crueldad humana. En Hades Nébula quizás podamos ver una versión mixta, pues los zombis siguen representando su papel y los militares en esta ocasión interpretan la cara oculta del ser humano. Pero el gran tesoro que esconde la obra opera prima de Sisí es la creación de un villano como el Padre Isidro. Al igual de detrás de cada gran hombre, hay una gran mujer, detrás de cada gran escritor hay un gran personaje y este es el párroco malagueño. Isidro reúne todas las características para pasar a la inmortalidad como uno de los grandes villanos de la literatura de todos los tiempos.
Quizás algunos lectores puedan pensar que hay que estirar la gallina de los huevos de oro, y que es una pena que Sisí no nos deleite con más entregas de Los Caminantes. Yo mismo no puedo negar que desearía leer más y que el gusanillo de ver nuevas aventuras y correrías de los zombis habita en mí, pero pensando fríamente creo que el bueno de Carlos hace bien en dedicarse a otros proyectos, porque no es bueno encasillarse ni vivir de las rentas. Aunque una cosa no quita la otra, y no sería desdeñable que en un futuro los caminantes se alzarán nuevamente de entre los muertos para volver a darnos un susto.
Have you ever seen the rain? fue compuesta en 1970 por John Forgety, miembro más destacado de la mítica banda americana Creedence Clearwater Revival. El grupo que producía un sonido conocido como Swamp Rock o (Country Rock para que nos entendamos) fue un abanderado de la música estadounidense a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Esta canción fue incluida en el album Pendulum, que a la postre sería el último que grabara la banda con todos sus integrantes al completo. Sin duda, esta canción, que es todo un icono de la música Rock, está llena de controversia pues nunca se aclaró a que se refería exactamente su misteriosa letra.
Este halo enigmático que rodea a la canción ha creado muchas especulaciones y teorías sobre el significado de la letra y lo que en ella quiso transmitir Forgety cuando la compuso. Una de las teorías más que cuenta con más seguidores es la de que la canción hace referencia a todos aquellos ideales de los años 60 que se estaban perdiendo por la sociedad, apagándose el espíritu hippy nacido a finales de la década y enfocado a un carácter libertario, contracultural y pacifista. Otra de las hipótesis que muchos mantienen es que la canción relata la situación interna que vivía en aquel momento la banda, llena de tensiones y fuertes diferencias entre sus componentes y que acabaría con la disolución del grupo. Esta teoría fue alimentada más cuando el propio Fogerty la dejó caer en una entrevista posterior, pero sin embargo es natural pensar que no es la más acertada pues parece lógico pensar que nadie compondría una canción a un hecho futuro que aún estaba por suceder. La tercera y a mi modo de ver más acertada es la que cree que el texto de la canción hace referencia a la Guerra de Vietnam, dónde habría que sustituir la palabra rain (lluvia) por bombas cayendo del cielo.
Sea como fuere, lo cierto es que los CCR crearon una canción que llegó a calar al gran público y convirtiéndose en un clásico. El mensaje oculto deberá aún esperar para ser revelado mientras los más grandes de la música como R.E.M., Boney M, Rod Stewart, The Ramones, Dire Straits o Héroes del Silencio se dedican a versionarla a su manera.
Dónde: instalaciones deportivas de APADEMAR (Frente a la antigua Cárcel de Córdoba)
"Celebro tener la ocasión de dirigirme a tod@s con el motivo de presenta de forma oficial la FEDERACIÓN ESPAÑOLA DE ARTRES MARCIALES TRADICIONALES. Con el fin de conocer todas las posturas de los Directores de clubes y Profesores de Artes Marciales, para tener una perspect ...iva global de los intereses del sector le convocamos para una reunión donde poder comentar distintos aspectos Federativos y de las Artes Marciales, y que nos planteen su punto de vista.
Si Usted, es Profesor o C.N de algún Arte Marcial, y está interesado en asistir para argumentar sus puntos de vista, ideas, etc., puede acudir a esta reunión. Nos gustaría poder contar con su presencia y que nos aporte su opinión, como Profesional.
Los puntos a tratar son los Siguientes:
- Información de la nueva Federación Española de Artes Marciales Tradicionales. - Fines de la Federación. - Responsables de los distintos Departamentos. - Las Delegaciones Provinciales y sus objetivos, a través de la Federación Andaluza - Eventos y Competiciones. - Ruegos y Preguntas.
Sin otro particular y esperando su asistencia reciba un cordial saludo".
Santiago Domínguez Navarro Presidente de la FAdAMT
Shadows of the Damned, la última aventura salida de la mente de los míticos, Suda 51, Mikami y Yamaoka parece una versión exagerada del famoso episodio de Orfeo y Eurídice de la mitología. No estamos ante un juego revolucionario, ni que suponga una evolución técnica destacada, más bien se trata de un tipo de videojuego visto ya en multitud de ocasiones, una aventura en tercera persona con cámara al hombro en la que nos vamos enfrentando a multitud de ordas de demonios de diversos tipos, a complejos puzzles y jefes finales bastante exigentes. Lo que realmente hace destacar a este título entre los demás es su desgarrante y ácido sentido del humor, presente durante todo el desarrollo de la aventura.Que el humor negro y desenfadado sea el argumento más notable para destacar un videojuego no dice mucho a favor del mismo. Sin embargo en esta ocasión haremos una excepción.
Nos enfundamos en la piel de García Hotspur, un cazademonios hispano al que el todopoderoso señor del inframundo Fleming ha raptado a su novia Paula para desafiarle. Como no podía ser de otra manera, y con el apoyo de nuestro fiel Johnson (una calavera parlante y chistosa que es también un demonio y que tiene la habilidad de transformarse en diversas armas) nos embarcaremos en un viaje de locos en el más chiflado de los infiernos que hayamos conocido. Un infierno por ejemplo dónde las puertas están selladas con vello púbico de demonio, dónde las cerraduras son cabezas de bebés llorones que se abren con fresas, ojos o cerebros y dónde los puntos de guardado son bichos con alas que defecan cuando guardas.
En cuanto a lo que a la jugabilidad se refiere, la propuesta de Grashopper es un título de acción clásico y bastante lineal. No hay coberturas y resulta frenético porque no da tregua al jugador en casi ningún momento. Deberás de jugar con la luz y la oscuridad durante toda la partida tanto para resolver los puzzles como para derrotar a ciertos enemigos. La banda sonora y el apartado sonoro es digno, pero los gráficos quedan un poco por debajo de lo que habría que pedirle a un juego de esta generación. Este defecto parece no obstante hecho a conciencia, como si los desarrolladores hubiesen confiado en el argumento y su sentido del humor para triunfar descuidando un poco el apartado técnico. Por ello mi nota es un 7, pues estamos ante un juego sorprendente en muchos sentidos y muy prometedor pero al que quizás le ha faltado pulirlo un poco más ante de sacarlo a la luz.
La sangre es vida. Esta es una doctrina que se encuentra en la mayoría de las culturas. Las historias de vampiros están muy de moda actualmente, sobretodo entre la población joven. Sin embargo, el encanto del personaje en sí y el carisma de ElConde Drácula beben de su fuente original que no es otra que la novela de Stoker. Difícilmente son parangonables las visiones de ese no muerto romántico, astuto y cruel que nos presentó el célebre escritor irlandés con la imagen de sex symbol y metrosexual que hoy en día se atribuyen los de su especie. Por ello es bueno a veces regresar al inicio, allí dónde todo nació para recordar el porqué del mito. Esto es lo que han hecho Eduardo Bazo y Jorge de Juan con su obra de teatro Drácula y que han representado estos días en el Lope de Vega de Sevilla, con un gran actor como Emilio Gutiérrez Caba y el conocidísimo Ramón Langa como primeras espadas.
Llevar al teatro a un personaje tan mundialmente conocido, un icono de la cultura gótica y que ha sido representado en el cine en miles de ocasiones, se antoja cuanto menos arriesgado. Desde los vampiros oscuros de Hammer, el románticismo empedernido de Coppola o la sugerente Déjame entrar sueca, la figura del no muerto ha tenido una relevancia notable en la sociedad, si bien es extraño encontrar una representación teatral del mismo, del Drácula más clásico, encima de un escenario. No obstante, cabe mencionar que la primera lectura original de la novela de Stoker se hizo por un grupo de actores teatrales y que la obra que hoy comento es una adaptación que hizo Hamilton Dean allá por los años 20, y que entre otras figuras han interpretado el mítico Bela Lugosy o Frank Langela. Lo mismo podríamos decir de su némesis, el profesor Van Helsing, quién ha visto en su piel a leyendas como Peter Cushing o esperpentos holliwoodienses como Hugh Jackman, pasando por un merecido homenaje en la figura de su tocayo Setrakián (Trilogía de la Oscuridad de Benicio Del Toro).
Es un placer para los amantes del género y del Drácula original ver la obra en directo. El magnífico papel desempeñado por el elenco de intérpretes hace que disfrutes de la trama a pesar de ser conocidísima y bastante redundante. Sin embargo, uno nunca se cansa de ver el espíritu joven y luchador encerrado en ese cuerpo anciano del profesor Van Helsing, la irónica cordura de Renfield en sus delirios, los arrebatos de valor del joven Harker tan loables como estúpidos o el magnetismo del demonio con exquisitos modales. El mayor acierto bajo mi punto de vista, es recobrar esa figura clásica del conde, con su porte aristocrático y su avidez de sangre y de encontrar una compañera en la solitaria eternidad. Se toman algunas licencias con respecto al texto original, pero son necesarias y pasan innadvertidas en su mayoría. Se potencia la trama con diálogos largos, claros y cargados de tensión, como en este tramo que os dejo a continuación (grabado con el Iphone) y que pertenece a la mejor parte de la obra: cuando Drácula se quita la máscara (literalmente hablando) ante el viejo profesor:
Pero no todo es oro todo lo que reluce. Los efectos especiales, si bien son cuanto menos apreciables al tratarse de teatro y no cine, dejan un sabor agridulce pues en ocasiones despiertan en el espectador una carcajada en lugar de un grito. Esto en una obra englobada en el género de terror no es bueno, y quizás sea su punto débil. Puede que sean estos efectos un tanto cutres en ocasiones, puede que sea que la historia resulta ya muy mascada, puede que sea su final un tanto descafeinado o puede que sea tal vez que la sociedad actual es menos sensible a los estímulos que antes te hacían agarrarte fuerte a tu butaca. Sea como fuere lo cierto es que la obra no da miedo. No transmite ese sentimiento sobrecogedor que seguramente si transmitía cuando fue escrita. Los tiempos están cambiando, y la figura de El Conde Drácula no atemoriza a las masas como antaño, al menos fuera de Rumanía. Eso sí, en esta versión el conde infunde al menos respeto, mucho respeto, pues no deja de ser intimidante estar ante un Conde Drácula que habla como Bruce Willis.
París es la ciudad más visitada del mundo. Cada año, millones de turistas recorren sus calles y bulevares con caras de admiración e incredulidad. Su nombre viene del pueblo galo parisios, y aunque no se conoce exactamente su etimología, parece ser que París significaría algo así como Casa o Templode Isis (diosa egipcia a los que los parisios rendían pleitesía). Históricamente estamos ante el escenario principal de grandes acontecimientos, y actualmente es una urbe de más de once millones de personas dónde la multiculturalidad alcance límites inexplorados hasta la fecha. Bañada por las tranquilas aguas del Sena y bajo la sombra de la espectacular Torre Eiffel, París espera al viajero con los brazos abiertos para mostrarle todos sus secretos y brindarle una experiencia única.
Disfrutar de una ciudad que tiene tanto que ofrecer dependerá en gran parte del tiempo que se disponga. Es obvio, que si sólo tenemos un fin de semana debemos de apurar nuestras visitas a los puntos clave de la ciudad, pero si contamos con algo más de margen podremos incluso descubrir algún que otro rincón no demasiado conocido por el gran público. Otro dato a tener en cuenta es que estamos hablando de la capital de Francia y por tanto de uno de los motores de la economía mundial. París es muy cara (carísima) y nuestro bolsillo se verá claramente mermado, pero es un precio que merece la pena pagar. En cuanto al idioma, está claro que si sabes o tienes nociones básicas de francés tienes mucho ganado, pero si no es así con un nivel medio de inglés es suficiente (hay castellanoparlantes, pero escasean).
Se pueden optar por varios tours en la ciudad dependiendo de lo que más nos llame la atención. Podemos visitar los monumentos más conocidos y emblemáticos, los museos más ilustres y que albergan las más afamadas obras del arte mundial, las bohemias orillas del Sena con ese espíritu romántico, inconformista y libre. Existe un París clásico y otro moderno, al igual que también existe un París de noche y otro de día. También hay varias alternativas para conocer la ciudad desde las alturas y disfrutar de las mejores vistas, todas ellas son igualmente recomendables y no me decanto por ninguna en especial. Aunque hayas viajado a París ya en alguna ocasión, siempre te ofrece algo nuevo y te vuelve a enamorar. Si te conoces las ciudad al dedillo, siempre puedes optar por los alrededores que van desde la fastuosa Disneyland hasta los jardines y palacios de Versalles.
Lógicamente los 10 lugares o monumentos que a mi parecer no deben faltar en tu itinerario son: La Torre Eiffel (hay que subir, estar en París y no hacerlo es como entrar en un Mc Donall y pedirte una ensalada), Notre Dame (para mí el sitio dónde puedes conseguir las fotos más increíbles como la que ilustra el inicio del post), Museo del Louvre (quizás demasiado masificado pero no dejes pasar la ocasión de caminar por sus pasillos y contemplar la Gioconda o la Venus de Milo), Museo de Orsay (menos conocido pero incluso más recomendable que el Louvre, pues contiene los cuadros impresionistas más famosos de Van Gogh, Degas, Monet, Milet, Manet, Renoir, Cézanne, etc y además es una visita mucho más tranquila y relajada), el Sena y sus islas (puedes optar por navegar con un vaporcito o simplemente el placer gratuito de pasear por sus orillas junto a los cientos de típicas librerías antiguas o bouquinistes), los Campos Elíseos (sin duda la calle más famosa de París con sus grandes comercios y el Arco del Triunfo de fondo), el Mouline Rouge (recomiendo visitarlo de noche aunque no consigamos entrar, pues de día pierde parte de esa magia que su aura desprende), Sacré-Coeur (una iglesia hermosa sobre una hermosa plaza situada en la cima de una colina), Los Inválidos (que abarca desde el museo de la armada hasta la tumba de Napoleón) y sus plazas, puentes y jardines (La Bastilla, La Concorde, Puente Alexandre III, Trocadero, Madeleine, etc).
Siempre se ha dicho que los niños vienen de París porque es un buen sitio desde el que venir, ya que según Hemingway"Si tienes las suerte de haber vivido de joven en París, entonces durante el resto de tu vida ella estará contigo, porque París es una fiesta". Allí fueron niños Édith Piaf o la traviesa Amélie. Enrique VI consideró que "París bien valía una misa" y luego llegaría la Revolución con su consabido lema de Libertad, Igualdad y Fraternidad y su Marsellesa que se convertiría en el himno de los oprimidos. Napoleón la llevó a la cima y Napoleón III hizo el resto. Sobrevivieron a la ocupación nazi a pesar de que Hitler preguntaba con insistencia "¿Arde París?". Llegaría el Mayo del 68 con las protestas estudiantiles, la Sorbona y Jean Paul Sartre... Menos mal que la ciudad no sucumbió a la locura de Hitler y como le decía Bogart a Bergman al final de Casablanca..."Siempre nos quedará París".
Ayer, la magia de Corteo del Cirque du Soleil inundó nuevamente Sevilla. El grandísimo espectáculo de la compañía canadiense es un desfile carnavalesco, una algarabía surrealista en la que el payaso Mauro imagina cómo será su funeral, repasando todos los personajes maravillosos y vivencias increíbles que ha experimentado. La mezcla de espontaneidad, comedia, acrobacias, diversión, belleza visual, música, danza y poesía en imágenes llevará de nuevo al espectador hasta un lugar imaginario, una ceremonia onírica que está entre lo terrenal y lo celestial, entre lo real y lo fantástico.
Fue mi segunda vez tras Saltimbanco, y una vez más el show mereció cada euro que costó la entrada. Mientras que Saltimbanco es el pionero de sus espectáculos, dónde se funden los colores y la luz con las acrobacias más inverosímiles, Corteo te sumerge en una atmósfera gótica y oscura, con unos personajes de tinte románticos y melancólicos. Los números cirquenses propiamente dicho, carecen quizás de la majestuosidad de otras veces, pero si a estos le sumamos una escenografía insuperable, un vestuario y maquillaje soberbios, una banda sonora inmejorable y la pasión y entrega de cada uno de los actores y acróbatas obtenemos un resultado que contradice a las Matemáticas y le da la razón al Holismo o Aristóteles: El todo es mayor que la suma de sus partes.
Corteo es un viaje que abarca desde lo más grande a lo más pequeño, y te transporta a una hermosa fábula que nos cuenta lo trágico y lo cómico de la vida. Acompañaremos a Mauro en busca de su humanidad, de aquello que nos haga comprender que esta vida merece ser vivida. Un poema en movimiento, que se sirve desde los más simple (una escalera) hasta lo más complejo (sofisticadas plataformas mecanizadas). Un recorrido en la que el espectador es uno más, interactuando como es norma habitual en este circo dentro del show. Dicen que justo antes de morir ves pasar tu vida en un momento y esto es lo que representa Corteo. Mientras le entregan sus alas para unirse a los ángeles que vigilan el cielo, contempla con nostalgia y júbilo como Loquillo tenía razón cuando tituló una de sus canciones que La vida es una fiesta.
